Реферат: Русская живопись XIX века
Федор Александрович Васильев (1850—1873)
прожил короткую жизнь. Его творчество, оборвавшееся в самом начале, обогатило
отечественную живопись рядом динамичных, волнующих пейзажей. Художнику особенно
удавались переходные состояния в природе: от солнца к дождю, от затишья к буре. Выходец из семьи почтового служащего, учился в
Рисовальной школе Общества поощрения художеств, а также в 1871 в Академии
художеств; в 1866-67 работал под руководством И. И. Шишкина. Выдающийся талант
Васильева сложился рано и мощно в картинах, впечатляющих зрителя своим
психологическим драматизмом. Замечательной «поэзией при натуральности впечатления»
(по словам И. Н. Крамского, близкого друга Васильева, о коренном свойстве его
творчества в целом) проникнута уже картина «Перед дождем» (1869, Третьяковская
галерея). В 1870 путешествовал по Волге вместе с И. Е. Репиным, в результате
появилась картина «Вид на Волге. Баржи» (1870, Русский музей) и другие работы,
отмеченные тонкостью световоздушных эффектов, мастерством передачи речной и
воздушной влаги. Но не во внешних эффектах здесь суть. В произведениях
Васильева природа, словно откликаясь на движения человеческой души, в полном
смысле психологизируется, выражая сложную гамму чувств между отчаянием,
надеждой и тихой грустью. Наиболее известны картины «Оттепель» (1871) и «Мокрый
луг» (1872; обе в Третьяковской галерее), где постоянный интерес художника к
переходным, неопределенно-зыбким состояниям натуры претворяется в образы
озарения сквозь меланхолическую мглу. Это — своего рода натурные сны о России,
выдерживающие сопоставление с пейзажными мотивами И. С. Тургенева или А. А.
Фета. Художник (судя по его переписке с Крамским) мечтает о создании каких-то
невиданных произведений, о символических пейзажах-откровениях, которые могли бы
исцелить человечество, отягощенное «преступными замыслами». Но дни его уже
сочтены. Заболев туберкулезом, он переселяется в 1871 в Ялту. Роковая болезнь,
сливаясь с впечатлениями от южной природы, которая предстает у него не
праздничной, но отчужденно-тревожной, придает его живописи еще большую
драматическую напряженность. Тревожно и сумрачно самое значительное его полотно
этого периода — «В Крымских горах» (1873, Третьяковская галерея). Тонущая в
дымке, написанная в мрачных коричневато-серых тонах горная дорога обретает тут
потусторонний оттенок, подобие безысходной дороги в никуда. Влияние искусства
Васильева, усиленное трагизмом его ранней кончины, было весьма значительным.
Романтическая традиция, окончательно отрешаясь от представлений о пейзаже как
декоративном зрелище, достигла в его работах особой духовной содержательности,
предвещающей искусство символизма и модерна, пейзаж чеховско-левитановской
поры.
Творчество Виктора Михайловича Васнецова
(1848—1926) тесно связано с русскими народными сказками, былинами, сюжеты
которых он брал за основу своих картин. Его лучшее произведение — «Три
богатыря». Перед зрителем любимые герои русского былинного эпоса — богатыри,
защитники русской земли и родного народа от многочисленных врагов.
Певцом русского леса, эпической широты
русской природы стал Иван Иванович Шишкин (1832—1898). Архипа Ивановича Куинджи
(1841 —1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны
в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые
утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей
дороге,— эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его полотнах. Для ранних работ Шишкина («Вид на острове
Валааме», 1858, Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867,
Третьяковская галерея) характерна некоторая дробность форм; придерживаясь
традиционного для романтизма «кулисного» построения картины, четко размечая
планы, он не достигает еще убедительного единства образа. В таких картинах, как
«Полдень. В окрестностях Москвы» (1869, там же), это единство предстает уже
очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и
свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю
Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе равных
в русском пейзажном искусстве).
В 1870-е гг. мастер
входит в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют
картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872) и «Рожь» (1878;
обе — Третьяковская галерея). Обычно избегая зыбких, переходных состояний
природы, художник фиксирует ее высший летний расцвет, достигая впечатляющего
тонального единства именно за счет яркого, полуденного, летнего света,
определяющего всю колористическую шкалу. Монументально-романтический образ
Природы с большой буквы неизменно присутствует в картинах. Новые же,
реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с которым
выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного
дерева. Шишкин — замечательный поэт не только почвы, но и дерева, тонко
чувствующий характер каждой породы [в наиболее типических своих записях он
обычно поминает не просто «лес», но лес из «осокорея, вязов и частью дубов»
(дневник 1861 года) или «лес еловый, сосновый, осина, береза, липа» (из письма
И. В. Волковскому, 1888)]. С особой охотой художник пишет породы самые мощные и
крепкие типа дубов и сосен — в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в
буреломе. Классические произведения Шишкина — такие, как «Рожь» или «Среди
долины ровныя...» (картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова; 1883, Киевский
музей русского искусства), «Лесные дали» (1884, Третьяковская галерея) —
воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Художнику одинаково
удаются и далевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем»,
1886; «Утро в сосновом лесу» где медведи написаны К. А. Савицким, 1889; обе —
там же). Самостоятельную ценность имеют его рисунки и этюды, представляющие
собой детализованный дневник природной жизни. Плодотворно работал также в
области офорта. Печатая свои тонко нюансированные пейзажные офорты в разных
состояниях, издавая их в виде альбомов, Шишкин мощно активизировал интерес к
этому виду искусства. Педагогической деятельностью занимался мало (в частности,
руководил пейзажной мастерской Академии художеств в 1894-95), но имел в числе
своих учеников таких художников, как Ф. А. Васильев и Г. И. Чорос-Гуркин. Его
образы, несмотря на свою «объективность» и принципиальное отсутствие
психологизма, свойственного «пейзажу настроения» саврасовско-левитановского
типа, всегда имели большой поэтический резонанс (недаром Шишкин принадлежал к
числу любимейших художников А. А. Блока). В Елабуге открыт дом-музей художника.
К концу XIX в. влияние передвижников упало. В изобразительном искусстве
появились новые направления. Портреты кисти В.А. Серова и пейзажи И.И. Левитана
были созвучны с французской школой импрессионизма. Часть художников сочетала
русские художественные традиции с новыми изобразительными формами (М.А.
Врубель, Б.М. Кустодиев, ИЛ. Билибин и др.).
Своей вершины русская пейзажная живопись XIX в. достигла в творчестве ученика Саврасова
Исаака Ильича Левитана (1860—1900). Левитан — мастер спокойных, тихих пейзажей.
Человек очень робкий, стеснительный и ранимый, он умел отдыхать только наедине
с природой, проникаясь настроением полюбившегося пейзажа.
Однажды приехал он на Волгу писать солнце,
воздух и речные просторы. Но солнца не было, по небу ползли бесконечные тучи,
не прекращались унылые дожди. Художник нервничал, пока не втянулся в эту погоду
и не обнаружил особую прелесть сизо-сиреневых красок русского ненастья. С той
поры Верхняя Волга, заштатный городок Плес прочно вошли в его творчество. В тех
краях он создал свои «дождливые» работы: «После дождя», «Хмурый день», «Над
вечным покоем». Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: «Вечер на
Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».
В последние годы жизни Левитан обратил
внимание на творчество французских художников-импрессионистов (Э. Мане, К.
Моне, К. Писарро). Он понял, что у него с ними много общего, что их творческие
поиски шли в том же направлении. Как и они, он предпочитал работать не в
мастерской, а на воздухе (на пленэре, как говорят художники). Как и они, он
высветлил палитру, изгнав темные, землистые краски. Как и они, он стремился
запечатлеть мимолетность бытия, передать движения света и воздуха. В этом они
пошли дальше его, но почти растворили в световоздушных потоках объемные формы
(дома, деревья). Он избежал этого.
«Картины Левитана требуют медленного
рассматривания,— писал большой знаток его творчества К. Г. Паустовский.— Они не
ошеломляют глаз. Они скромны и точны, подобно чеховским рассказам, но чем
дольше вглядываешься в них, тем все милее становится тишина провинциальных
посадов, знакомых рек и проселков».
На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И. Е.
Репина, В. И. Сурикова и В. А. Серова.
Илья Ефимович Репин (1844—1930) родился в
г. Чугуеве, в семье военного поселенца. Ему удалось поступить в Академию
художеств, где его учителем стал П. П. Чистяков, воспитавший целую плеяду
знаменитых художников (В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, М.А.Врубеля,
В.А.Серова). Многому научился Репин также у Крамского. В 1870 г. молодой
художник совершил путешествие по Волге. Многочисленные этюды, привезенные из
путешествия, он использовал для картины «Бурлаки на Волге» (1872). Она произвела
сильное впечатление на общественность. Автор сразу выдвинулся в ряды самых
известных мастеров. Критикуя сторонников «чистого искусства», он писал:
«Окружающая жизнь меня слишком волнует, не дает покоя, сама просится на холст;
действительность слишком возмутительна, чтобы со спокойной совестью вышивать
узоры,— предоставим это благовоспитанным барышням». Репин стал знаменем
передвижников, их гордостью и славой.
Репин был очень разносторонним художником.
И. Е. Репин был замечательным мастером во всех жанрах живописи и в каждом
сказал свое новое слово. Центральная тема его творчества — жизнь народа во всех
ее проявлениях. Он показал народ в труде, в борьбе, прославил борцов за свободу
народа. Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. Лучшим произведением
Репина в 70-е годы была картина «Бурлаки на Волге». Картина была воспринята как
событие художественной жизни России, она стала символом нового направления в
изобразительном искусстве. Репин писал, что «судья теперь мужик, а потому надо
воспроизводить его интересы». Пожалуй, не меньшее впечатление, чем «Бурлаки»,
производит «Крестный ход в Курской губернии». Яркое голубое небо, пронизанные
солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и облачений, полиция,
простой народ и калеки — все уместилось на этом полотне: величие, сила, немощь
и боль России.
Страницы: 1, 2, 3, 4 |