Реферат: Итальянский театр эпохи Возрождения
Реферат: Итальянский театр эпохи Возрождения
Итальянский театр эпохи Возрождения
Содержание
Введение
Театр Возрождения
Италия
Комедия Дель Арте
Появление диалога
История Итальянского театрального Возрождения
Итальянский пролог
Пастораль
Литература
Введение
Возрождение
— качественно новый этап в истории западноевропейской культуры. Суть его —
переход от эпохи средневекового видения мира к культуре Нового времени. Переход
этот совершался во всех областях мировоззрения и мироощущения человека — в
науке, религии, искусстве. Развитие театра произошло позже расцвета других
искусств. Драматургия поэтому могла использовать многое из того, что было
создано литературой Ренессанса, а театр —
достижения живописи.
Ярче
всего этот «культурный переворот» выразился в изменении целей и способов
творческой деятельности. Новые методы приобретения
научных знаний и образования, новая изобразительная система в живописи, новые
жанры в театре, новые формы социального поведения.
Культурное
движение Возрождения, несмотря на формулу, заключенную в названии, было не
возвращением античности (человечество не может вернуться к своему прошлому), а диалогом античной философии и эстетики, христианского
мировидения и реалистического сознания
нарождавшегося буржуазного общества. В этом диалоге рождались гармония
реального и идеального, материально-природного и духовно-божественного,
рождался новый тип эстетического сознания.
Эпоха
Возрождения была не временем воскрешения античной
древности, а эпохой рождения принципиально новой европейской культуры.
ТЕАТР ВОЗРОЖДЕНИЯ – европейский театр в историческую эпоху позднего средневековья (16–17
вв.). Это было время формирования нового социального строя, замены феодальной
общественной формации на капиталистическую. Эпоха Возрождения ознаменовалась не
только формированием нового гуманистического мировоззрения, но и многими
великими открытиями и изобретениями, а также – бурным всплеском развития
культуры и практически всех видов искусства.
Термин
«Возрождение» или «Ренессанс» (франц. renaissance – возрождение) ввел в
культурный контекст Джорджо Вазари. В термине отразилась главная тенденция
искусства той эпохи – ориентация на классические образцы античного искусства,
которое на протяжении десяти веков (после падения Римской империи в 5 в.)
фактически находилось под запретом.
Если в эпоху
средневековья господствующее мировоззрение определяется конфликтом между
духовным и плотским, между Богом и дьяволом, то в Возрождении основная доктрина
заключена в гармонии, свободе, всестороннем развитии личности. На смену
средневековым идеалам фанатического аскетизма приходят гуманистические идеалы,
в центре которых – образ человека, свободного в своих мыслях и чувствах,
хозяина своей судьбы, излучающего радость полнокровной жизни.
Ренессансный
театр в разных странах Западной Европы имел свои индивидуальные особенности,
прочно вписанные в социокультурный аспект развития своей страны и резко
отличающие его от театра Возрождения иных стран. Наиболее интересно и
показательно ренессансный театр развивался в трех странах Западной Европы,
причем основные линии развития имеют между собой очень мало общего.
ИТАЛИЯ
Развитие
нового театра, как и других видов искусств, началось в Италии. Именно там
возникли новые формы театра и драматургии. Главные достижения театра приходятся
на заключительный этап эпохи Возрождения — конец XVI и первую
половину XVII веков. Это уже не Ренессанс, а послеренессансный период, в котором получили развитие
новые художественные направления.
Итальянский
театр в эпоху Возрождения существовал в двух разных обличиях:
шли спектакли при дворах итальянских князей для избранной аудитории и представления
на городских площадях.
В
придворных спектаклях участвовали любители, представления не имели регулярного
характера, их приурочивали к карнавальным празднествам. Сначала читали в лицах
комедии римских авторов. Потом, так как латынь была непонятна, их стали
переводить на итальянский язык, появились подражания. При дворах стали ставить
пьесы итальянских гуманистов — комедии, трагедии, пасторали. (Пастораль,
как и жанры комедии и
трагедии, была связана с античной поэзией; в ней давалось идиллическое
изображение мирной пастушеской жизни и идеальной любви.) Наибольший успех имел
жанр комедии, может быть, потому что он больше других соприкасался с реальной
действительностью. Этот род драматургии получил название «ученая комедия»,
потому что ее создателями были ученые-гуманисты и рассчитана она была на ученую
публику.
Первая
знаменитая «ученая комедия» принадлежала Лудовико Ариосто (1474-1533)
— придворному комедиографу феррарского герцога,
автору всемирно известной поэмы «Неистовый Роланд».
Его «Комедия о сундуке», поставленная в 1508 г., была написана еще по римскому образцу, но имела самостоятельный сюжет и явное отношение к
современному итальянскому быту.
У Ариосто было много последователей, при дворах итальянских
князей ставилось множество пьес, в основном комедийного жанра, в великолепных декорациях
и с роскошными костюмами.
На
фоне этих развлекательных пьес выделяется комедия Никколо
Макиавелли (1469-1527) «Мандрагора». Под пером
этого серьезного писателя сама комедия становится серьезней, окрашивается
сарказмом. Жанр сатирической комедии стал разрабатываться и другими писателями
Возрождения.
«Ученая
комедия» послужила развитию комедийного жанра в Европе. Даже Шекспира и Мольера
можно считать ее учениками.
В
придворном театре Позднего Возрождения широко распространяется жанр пасторали,
удаленный от злобы дня и политических интриг. Пастораль с ее радостным
приветствием жизни и человеческого чувства, культом утонченной идеальной любви,
благородства избранных натур, отчуждением от всего грубого и реального в
стилизованной форме изображала идеализированные аристократические нравы.
Большой славой пользовалась пьеса «Аминта» Торквато Тассо (1544-1595),
названная по имени главного героя пастуха Аминты,
влюбленного в нимфу. Итальянская пастораль была воспринята многими европейскими
драматургами XVI-XVII веков.
Высшим
достижением итальянского театра эпохи Возрождения была народная комедия дель арте — комедия
масок. Именно она способствовала превращению любительских спектаклей в профессиональное
сценическое искусство. Новый народный театр рождался самостоятельно, в отрыве
от литературной драматургии писателей-гуманистов. Спектакли ставились во время
праздников на площадях и улицах города. У них были разные названия: мистерии,
священные представления, празднества. В их основе лежали
религиозно-нравоучительные инсценировки эпизодов Священного Писания.
КОМЕДИЯ ДЕЛЬ АРТЕ (commedia
dell'arte); другое название – комедия масок, – импровизационный уличный театр
итальянского Возрождения, возникший к середине 16 в. и, по сути, сформировавший
первый в истории профессиональный театр.
Комедия
дель арте вышла из
уличных праздников и карнавалов. Ее персонажи – некие социальные образы, в
которых культивируются не индивидуальные, а типические черты. Пьес как таковых
в комедии дель арте не было, разрабатывалась только сюжетная схема, сценарий,
который по ходу спектакля наполнялся живыми репликами, варьировавшимися в
зависимости от состава зрителей. Именно этот импровизационный метод работы и
привел комедиантов к профессионализму – и в первую очередь, к выработке
ансамбля, повышенному вниманию к партнеру. В самом деле, если актер не будет
внимательно следить за импровизационными репликами и линией поведения партнера,
он не сможет вписаться в гибко изменяющийся контекст представления. Эти
спектакли были излюбленным развлечением массового, демократического зрителя.
Комедия дель арте вобрала в себя опыт фарсового театра, однако здесь
пародировались и расхожие персонажи «ученой комедии». Определенная маска
закреплялась за конкретным актером раз и навсегда, однако роль – несмотря на
жесткие типажные рамки – бесконечно варьировалась и развивалась в процессе
каждого представления. Число масок, появлявшихся в комедии дель арте
чрезвычайно велико – более сотни. Однако большинство из них было скорее
вариантами нескольких основных масок.
У комедии
дель арте было два основных центра – Венеция и Неаполь. В соответствии с
этим сложились и две группы масок. Северную (венецианскую) составляли Доктор,
Панталоне, Бригелла и Арлекин; южную (неаполитанскую) – Ковьелло, Пульчинелла,
Скарамучча и Тарталья. Стиль исполнения венецианской и неаполитанской комедии
дель арте тоже несколько различались: венецианские маски работали в преимущественно
в жанре сатиры; неаполитанские использовали больше трюков, грубых буффонных
шуток. По функциональным группам маски можно разделить на следующие категории:
старики (сатирические образы Панталоне, Доктор, Тарталья, Капитан); слуги
(комедийные персонажи-дзанни: Бригелла, Арлекин, Ковьелло, Пульчинелла и
служанка-фантеска – Смеральдина, Франческа, Коломбина); влюбленные (образы,
наиболее близкие героям литературной драмы, которых играли только молодые
актеры). В отличие от стариков и слуг влюбленные не носили масок, были роскошно
одеты, владели изысканной пластикой и тосканским диалектом, на котором писал
свои сонеты Петрарка. Именно актеры, исполнявшие роли влюбленных, первыми
отказались от импровизации и начали записывать тексты своих персонажей.
Авторами сценариев чаще всего бывали главные актеры труппы (capo commico).
Первый печатный сборник сценариев был выпущен в 1611 актером Фламинио Скала,
который руководил известнейшей труппой «Джелози». Другие наиболее известные
труппы – «Конфиденти» и «Федели».
Страницы: 1, 2, 3 |